Научный архив: статьи

Данная статья посвящена проблеме идейнохудожественного содержания орнитологической символики в русской прозе ХХ века. Объектами исследования являются произведения И. С. Шмелева, И. А. Бунина, Б. К. Зайцева, М. А. Осоргина, Л. Ф. Зурова, В. П. Астафьева, Е. Носова, Б. Васильева, Т. Толстой, объединенные включением в систему повествования образов птиц. Цель данной работы состоит в выявлении многомерной символической значимости орнитологических образов в русской прозе ХХ века: в осмыслении своеобразия индивидуально-авторского художественного видения писателей и объединяющего русскую литературу национального «кода прочтения». Актуальность исследования обусловлена вниманием современного литературоведения к аксиологически значимым темам русской литературы, к восприятию отечественного литературного процесса в его неделимой целостности. Научная новизна работы видится в том, что анализ образов птиц позволяет выявить особую роль данного художественного образа как одного из доминантных в национальной картине мира. Авторы приходят к выводу о том, что птица чаще всего в русской литературе ХХ века представлена как идеальный образ — «мерило» нравственности человека. Показано, что в разные исторические периоды доминантными становятся определенные аспекты символизации: духовное просветление, отождествление с Родиной и домом, осмысление подвига и героизма, экологические проблемы, метафоризация персонажей-орнитоморфов.

Опыт А. Г. Венецианова по созданию школы и художественные результаты ее деятельности представляют собой уникальный феномен в истории русского искусства. В статье рассматривается вопрос о роли личной инициативы и условиях реализации идеи о воспитании художников в частной мастерской. Автор статьи выделяет несколько ключевых моментов, необходимых для успешной реализации проекта по созданию независимой от государственных учебных заведений образовательной структуры: роль личности, материальную базу, идейные установки и метод. В статье рассматриваются исторические условия создания и существования школы, причины ее упадка и значение достигнутых венециановцами художественных результатов. Немаловажную роль в создании школы Венецианова сыграл общественный интерес к теме народа, актуальность вопроса о самобытности национальной культуры. Основой авторского преподавательского метода был приоритет «натуры» в приобретении профессиональных навыков, ее наблюдения и воссоздания средствами графики и живописи. Венецианов стремился не только формировать у своих учеников профессиональное умение, но и проверял на опыте учеников состоятельность своей «методы». Особый вопрос касается взаимосвязи и взаимодействия Венецианова как организатора школы и ее наставника с Императорской Академией художеств. Упрощая процесс обучения за счет опускания традиционной для академического учебного процесса стадии копирования «оригиналов» и уделяя особое внимание самостоятельной работе учеников с натуры, Венецианов не являлся прямым антагонистом Академии художеств как учебного заведения. Однако невольно он оказывался в условиях конкуренции с профессорско-преподавательским составом. Попытки Венецианова внедриться в Академию художеств или войти в состав создаваемого Московского училища живописи и ваяния не увенчались успехом. Тем не менее творческое наследие Венецианова и его школы остается безусловной художественной ценностью, а его методы актуальны по сей день.

В статье рассматривается образ человека как центральный сущностный элемент художественного и философского мировоззрения Василия Чекрыгина. Анализируются ключевые теоретические сочинения художника, в которых раскрывается гуманистический и метафизический статус человеческого образа. В исследовании продемонстрировано, как через понятие образа В. Н. Чекрыгин приходит к замыслу преображающего мир искусства, а именно к двум проектам монументальных фресок: «Бытие» и «Воскрешение мертвых». В основу исследования положены архивные рукописи, находящиеся в фонде Николая Харджиева в Российском государственном архиве литературы и искусства, а также ранее опубликованные сочинения художника. Проведен содержательный анализ текстов художника и сопоставление творческих проектов с теоретическими идеями. Выдвигается гипотеза о связи творчества Василия Чекрыгина с классической эстетикой, русским авангардом и иконописной традицией.

Статья представляет обзор творчества Марии Владиславовны Фёдоровой, выдающегося мастера сценического костюма, и это первый опыт искусствоведческого исследования ее работ. На протяжении более четырех десятилетий художница создает костюмы для ведущих художественных коллективов России, среди которых Государственный ансамбль танца России, ансамбль «Русская песня», Государственный академический оркестр «Боян» и другие. Творчество М. В. Фёдоровой, черпающее вдохновение в искусстве Серебряного века и русском авангарде, тесно переплетено с русской народной традицией. Этот синтез различных влияний позволил ей создать уникальный авторский стиль в сценическом костюме. Исследование затрагивает такие актуальные вопросы искусствоведения и культурологии, как бытование традиций русского фольклора, современное прочтение народного костюма, способов воплощения в нем художественного образа. Фольклорное наследие обогащено в работах мастера поэтической фантазией, изысканной музыкальной пластикой, а также элементами изобразительного искусства и высокой моды от кутюр. Начав свой профессиональный путь в качестве художника-модельера, сегодня М. В. Фёдорова успешно сочетает работу художника по костюмам с занятием графикой. Ее произведения представлены в собраниях Государственной Третьяковской галереи, других российских художественных музеев, а также в частных и музейных коллекциях за границей.

В статье представлены возможности интегративного потенциала культурологического подхода в процессе преподавания предметных областей «Изобразительное искусство» и «Литературное чтение» в 3 классе на примере изучения пейзажной лирики в соотнесении с живописными произведениями отечественных художников. Предлагаемые методические решения позволяют учителю выстраивать взаимодействие с обучающимися не только в пределах одного учебного предмета, но и выходить на метапредметный уровень, чтобы обеспечить гармоничное освоение мира детьми в его художественно-эстетическом проявлении.

Современные петербургские академические художники постоянно обращаются к теме войны и Победы, решая ее не столько через пересказ исторических событий, сколько через выражение личного отношения к прошлому, взывая к памяти своих отцов и дедов, вспоминая их рассказы о войне, слезы своих матерей и бабушек. Эмоциональное начало преобладает над нарративностью. В произведениях на военную тему ощутимы боль утрат, боязнь забвения, волнение о событиях сегодняшнего дня, обнаруживается связь времен. Противопоставлением тяжелым переживаниям о войне выступают размышления о человеческом мужестве, патриотизме, героизме, верности, о красоте родной земли. В своих произведениях художники демонстрируют весь диапазон чувств - от боли и страдания до чувства очищения и эмоционального облегчения. В год 80-летнего юбилея Великой Победы осмысление военной истории в образах искусства стало вновь актуальным. В статье рассмотрены произведения современных петербургских художников-академистов А. Новосёлова, Ф. Иванова, Р. Яхиханова, В. Каджаева, И. Журавлёва, Ч. Гугкаева, И. Зорькина и других авторов, преимущественно созданные в XXI веке. Для их исследования использованы методы включенного наблюдения, интервью, образно-стилистического и сравнительного искусствоведческого анализа. Рассмотрен один из крупнейших проектов Санкт-Петербургской академии художеств - выставка в Республике Коми, разнопланово представившая произведения петербургских художников о войне. Экспозиция продемонстрировала различные подходы к решению этой темы. Сделан вывод о необходимости развития темы памяти о Великой Отечественной войне, осмысления глобальных проблем войны и мира в произведениях художников разных поколений. Современные художественные проекты, объединяющие разные виды искусства и многих мастеров, не просто способны донести до зрителя фундаментальные гуманистические идеи, но и ответить на злободневные вопросы сегодняшнего дня, помогают провести важные исторические параллели, соотнести мужество и героизм людей разных поколений, определить важность общечеловеческих ценностей, объединить представителей разных культур.

В статье исследуется опыт воплощения женских архетипов, лежащих в основе мифологии коренных народов Севера, в творчестве народного художника России, академика Российской академии художеств Галины Михайловны Визель. Символико-культурологический и аналитический методы позволяют выявить системообразующее начало, определяющее стиль художника, ставшего выразителем глубинных смыслов традиционной культуры, через обращение к женским образам. Чем глубже и ярче современному художнику удается работать с архаикой и мифологией, тем выразительнее стремится стилизация его работ в сторону создания знака-символа. Для анализа выбраны произведения автора, созданные в 2009-2023 годы. Это вариации персонифицированных женских образов, созданных автором на основе угорской мифологии, включенные в итоговый, обобщающий творческие находки проект «Югра многоликая». С помощью искусствоведческого анализа определены основные композиционные и пластические приемы декоративных и скульптурных произведений, создающие их особый отстраненно «архаический» стиль. Это нашло выражение в статичности и монументальной выразительности керамической формы в сочетании с эмоциональным воздействием цвета глазури, часто экспрессивного по способу наложения. На основе богатого вклада в российское изобразительное искусство Галины Визель можно сделать вывод о том, что главная творческая задача ее обращения к мифологии и традиционной культуре - не стремление к историзму и этнографии, но возможность говорить художественными образами о пространстве и времени в целом, вечном круговороте мифологических циклов. Работы скульптора-керамиста создаются в результате глубокого анализа опыта поколений, воспринятого сквозь призму национальных традиций. Своеобразие творчества Г. М. Визель заключается в пространственном видении, свойственном характерному «сибирскому» восприятию своей земли, в основе которого лежит образ материнского начала как истока первотворения.

Статья посвящена анализу знаков смерти, получивших распространение в российском и западноевропейском балетном искусстве, где они воплощены в художественных образах персонажей. В статье показана культурно историческая динамика балетного искусства, влияющая на интерпретацию образов смерти. Анализируется отношение к теме смерти в российском обществе XIX века, в советском обществе и в современном российском обществе на материале творчества таких выдающихся балетмейстеров, как А. П. Глушковский, Дж. Баланчин, К. Я. Голейзовский. На сценических примерах хореографического искусства показана репрезентация образов смерти наказания и смерти избавления. Подчеркивается трансформация античного образа Танатоса бога смерти в эстетический образ человеческой смерти. Автор останавливается на истории танатологии в России. Рассматриваются перспективы развития танатологии балета как нового жанрово стилистического направления в хореографическом искусстве.

В статье рассматривается творчество художников направления «сибирская неоархаика» с точки зрения жанрово-образных характеристик. Автор использует теорию жанровой хронотипологии Н. А. Яковлевой, а также постулаты П. Кармел о тематических группах в истории мировой абстракции. В ходе изложения истории развития направления «сибирская неоархаика» был выявлен постмодернистский характер этого направления. В результате анализа работ художников обозначены жанровые семейства, к которым тяготеют произведения «сибирской неоархаики».

Предметом исследования является художественный образ медведя в русской народной глиняной игрушке. Целью работы стало выявление основных локальных и универсальных черт в трактовке персонажа мастерами крупнейших центров народных промыслов. На сегодняшний день эти вопросы мало освещены, чем обусловлена актуальность и новизна обращения к данной теме. В результате исследования определена главная особенность образа медведя в глиняной пластике – дуализм семантики персонажа, который проявляется в сочетании зооморфных и антропоморфных характеристик

Статья посвящена анализу двух хоровых поэм Т. Н. Хренникова на стихи Н. А. Некрасова – «Перед дождем» и «Несжатая полоса», вошедших в ор. 20. Актуальность обращения к хоровым сочинениям отечественного композитора-классика обусловлена отсутствием музыковедческих исследований, рассматривающих данную область наследия композитора. В процессе анализа поэм, наряду со спецификой музыкальной формы, выявляется взаимосвязь образного содержания произведений с музыкально-выразительными средствами, характеризуются особенности интерпретации поэтического текста, раскрываются индивидуальные черты трактовки жанра поэмы

В статье рассмотрен переходный этап творчества кемеровского художника А. В. Насонова от фигуративности к абстракции. В результате анализа работ художника выявлено изменение его творческого метода. А. В. Насонов около 30 лет развивался как пейзажист. С 2017 года автор постепенно отказывается от жанра пейзажа. С 2020 года А. В. Насонов создает абстрактные объекты на фоне и пространственные композиции средствами беспредметной живописи. В ходе эксперимент а А. В. Насонов ставит перед собой художественные задачи колористического характера, а также обращается к приемам автоматического письма. Автор статьи приходит к выводу о наличии в творческом методе А. В. Насонова тенденций официального позднесоветского искусства