Статья: О РОЛИ МУЗЫКИ В ПЕДАГОГИКЕ В. ИСЛЕНТЬЕВА — АВТОРА УЧЕБНО-МЕТОДИЧЕСКИХ ТРУДОВ ДЛЯ НЕРУССКИХ НАРОДОВ СРЕДНЕГО ПОВОЛЖЬЯ (2024)

Статья посвящается выдающемуся представителю исторического музыкознания Саратова — Марианне Фёдоровне Гейлиг (1909–1984), работавшей в Саратовской государственной консерватории имени Л. В. Собинова с 1950 по 1979 г., вошедшей в историю СГК в качестве первой заведующей образованной в 1961 г. кафедры истории музыки, создавшей свою научно-педагогическую школу, которая на протяжении более полувека определяла профессиональное лицо кафедры. В фокусе внимания автора — профессиональный путь М. Ф. Гейлиг, выпускницы Киевского музыкально-драматического института имени Н. В. Лысенко, доцента Киевской консерватории, научная и педагогическая деятельность М. Ф. Гейлиг в Саратовской консерватории. В статье анализируется научное наследие М. Ф. Гейлиг, связанное с изучением оперных форм в русской классической опере, её вклад в методику преподавания музыкальной литературы в среднем звене профессионального музыкального образования.

Статья посвящена вопросам дыхания в хоровом коллективе. Для современного хорового исполнительства принципиальное основополагающее значение имеют отечественные традиции, в частности, практика Синодального хора (Москва), особенно в период руководства им регента В. С. Орлова. Вопросы дыхания тесно связаны с понятиями кантилены, певучести. Длительное и ровное дыхание формировалось в отечественной певческой культуре веками — как в профессиональной музыке (церковные песнопения), так и в народной (лирическая протяжная песня). Дыхательный процесс у поющих требует усиленной деятельности мышечного комплекса. Конкретными музыкальными примерами привлекается внимание к работе соответствующих мышц, создающих особую организацию процесса выдыхания во время пения. Отмечается преобладание в их работе горизонтальных ощущений во время выдоха, создающих впечатление опоры звука (appoggiare la voce — «поддерживать голос»). Рассматривается разновидность певческого дыхания — цепное дыхание, используемое в коллективном исполнительстве и особо характерное для русской хоровой музыки.

Арфа — древнейший инструмент, прошедший длительный путь конструктивного и художественного становления. Изобретение педального механизма С. Эраром в начале XIX в. позволило модернизированной арфе, оснащённой хроматическим звукорядом, занять своё место в симфоническом оркестре, где под влиянием романтической эпохи постепенно начинает складываться художественная индивидуальность этого инструмента в единстве технических, выразительных, тембровых и виртуозных возможностей. В статье рассматривается эволюция «эраровской» арфы как оркестрового инструмента к сольному концерту. Этот путь представлен как постепенное накопление в оркестровом арфовом репертуаре характерных, присущих только этому инструменту многообразных технических и образно-художественных возможностей, которые обобщил и синтезировал в контексте русского музыкального стиля один из самых известных в мировой исполнительской практике арфистов, ставший по праву «классическим» Концерт для арфы с оркестром Es-dur Р. М. Глиэра (1938). Анализ этого произведения дополняет параллель образно-технических воплощений солирующей арфы в творчестве французских композиторов, стремившихся к созданию сольного арфового репертуара на рубеже XIX XX вв., а также в музыке «доэраровской» эпохи, в соответствии со стилевыми «адресами» каждой части Концерта Р. М. Глиэра.

Опера А. Н. Верстовского «Громобой», созданная в 1854 и поставленная на сцене Большого театра в 1857 г., в наши дни почти полностью забыта. Однако в свое время она имела успех, не в последнюю очередь связанный с тем, что композитор следовал моделям, сложившимся к тому времени в западноевропейской опере — прежде всего большой французской. Целью данной статьи является анализ танцевальных эпизодов, представленных в «Громобое», и проведение параллелей с французской оперной традицией. Можно предположить, что именно следованием Верстовским французской модели обусловлено появление в «Громобое» развернутых балетных сцен: они достигают той степени разнообразия и масштаба, которые характерны для жанра Grand opéra 1830–1850-х гг. Как известно, в сочинениях французских композиторов этого периода танцевальные номера играют очень важную роль. Несмотря на то что они исполняются второстепенными персонажами, их нельзя назвать дивертисментами — все подобные сцены, как правило, тесно связаны с сюжетом. Разнообразные танцы часто сопровождают торжественные события, например свадьбы, или становятся элементом couleur locale (танцы горожан, крестьян, рыцарей, солдат и др.). Огромное внимание в grand opéra уделяется сценографии и костюмам. Все эти черты характерны и для «Громобоя». Сделаны выводы о возможном влиянии «Громобоя» на формирование типа балетных сцен в русской опере.

Настоящая статья посвящена трактовке добра в творчестве Петериса Васкса — одного из лидеров современной латышской композиторской школы. Жизнь и творчество Васкс воспринимает как служение Богу, возведенное до уровня миссионерской деятельности. Музыка становится для композитора фактором преобразования реального мира, а, значит — преумножения в нем добра. Практически все сочинения Васкса с этих позиций обращены к поиску абсолютной красоты, совершенной гармонии. Материалом исследования послужило инструментальное творчество композитора, в частности оркестровые сочинения «Cantabile», «Lauda», «Viatore», духовой квинтет «Музыка улетающим птицам», фортепианное трио «Episodi e canto perpetuo» и др. Результатами исследования стало выявление авторских принципов создания образа добра. Его воплощение в музыке Васкса связано с особой идеей canto perpetuo — «бесконечного пения». Возникнув в сочинениях второй половины 1970-х гг. как особый тип интонационно-ритмической организации, связанный с латышской народной песней, в дальнейшем canto perpetuo трансформировалось в способ технологического воплощения образа добра в художественном пространстве, его музыкальную проекцию. В различные периоды творчества «бесконечное пение» приобретало различные «наклонения». На смену неоромантическому canto perpetuo 1970-х — начала 1990-х гг. под влиянием sacra nova и «новой простоты» пришла его «духовная» версия, восходящая к религиозным песнопениям. На фоне эволюции образа добра сочинения Васкса сохраняют важное качество: как и прежде, они остаются посланиями, посредством которых автор неустанно напоминает слушателю о вечных ценностях.

В статье рассматриваются судьбы композиторов, вынужденно покинувших Россию в начале и конце XX века. Каждому из них пришлось найти ответ на вопросы: «Что такое Родина? Что такое чужбина?». Четвертая волна эмиграции охватила ведущие творческие силы страны. За границей оказалось большинство композиторов-авангардистов: С. А. Губайдулина, А. Пярт, Г. Канчели, Э. В. Денисов, А. Г. Шнитке. Для А. Г. Шнитке отъезд стал возможностью вырваться из оков цензуры, но именно он послужил импульсом к интенсификации диалога с потенциальными слушателями. Общение происходило в двух формах: интервью и через музыкальный язык новых произведений. Анализ структуры книги А. В. Ивашкина «Беседы с Альфредом Шнитке» позволил выявить сходство логики построения книги с драматургией сочинений, а рассмотрение посвященного М. Л. Ростроповичу, Ю. А. Башмету и Г. Кремеру «Концерта на троих» обнаружить автоцитаты, которые можно истолковать как обращение к исполнителям и слушателям.

Статья посвящена выдающемуся американскому композитору Джорджу Гершвину, внесшему весомый вклад в историю мировой музыки ХХ в. Его творчество отмечено ярко выраженной индивидуальностью и стилевой узнаваемостью. Важной частью деятельности этого разностороннего музыканта было дирижирование. Освещаются факты творческой биографии Дж. Гершвина, связанные с этой сферой исполнительства, сотрудничество его с выдающимися дирижерами. Автор статьи определяет этапы формирования и эволюции композиторского мастерства Гершвина, совершенствование им своего оркестрового письма. Основной акцент делается на сочинениях для оркестра и опере. Автор подчеркивает роль дирижирования в освоении композитором жанров оперно-симфонической музыки. В статье представлен краткий анализ произведений композитора, более подробно рассматриваются те, которыми он многократно дирижировал — «Американец в Париже», «Кубинская увертюра».

И. Е. Рогалев (р. 1948) — один из ведущих композиторов и музыкальных педагогов России, кандидат искусствоведения, профессор кафедры теории музыки Санкт-Петербургской консерватории, заслуженный деятель искусств РФ. Автор опер «У начала твоей судьбы», «Соль», «Финист Ясный Сокол», мюзикла «Маскарад», балета «Питер Пэн», вокальных циклов «Звонкие песни», «Ожидание», «Подорожник», множества симфонических и камерно-инструментальных опусов, музыки для театра. Несмотря на широкую известность его произведений и масштаба общественной деятельности (в течение 25 лет он являлся художественным руководителем и генеральным директором Международного фестиваля искусств «От авангарда до наших дней»), личность композитора и его творчество редко становились объектом изучения. В настоящих материалах представляется первый опыт обобщения и анализа ряда фактов ранней биографии композитора (до окончания им Ленинградской консерватории) на основе интервью, взятого у него накануне 75-летнего юбилея, и архивных материалов. Историко-культурный контекст, личности музыкантов, с которыми пришлось общаться композитору в юности, становятся ярким фоном событий личной биографии.

Сольная соната для органа стала одним из популярных жанров в европейской романтической музыке. Она получила индивидуальное претворение в каждой из крупных национальных органных школ — немецкой, франко-бельгийской, итальянской. Статья обращена к исследованию процессов формирования английской версии сольной сонаты для органа. Здесь рассматривается начальный этап ее становления, представленный трехчастными циклами английских композиторов и исполнителей-виртуозов — У. Беста, У. Спарка и других. Подчеркивается педагогико-дидактическая направленность первых образцов жанра, его определенный схематизм, связанный с эстетическими принципами органной музыки Британии викторианской эпохи. Эта модель среди английских исследователей получила наименование «portfolio-sonata». Особое внимание акцентируется на «эксклюзивном» претворении единственного образца сольной сонаты для органа в творчестве одного из крупнейших британских композиторов рубежа XIX–XX в. Эдварда Элгара. Появление этого шедевра рассматривается в широком историко-национальном контексте развития романтической органной музыки.

В статье рассматривается и актуализируется информация о музыке в жизни и литературно-эстетических изысканиях Василия Петровича Боткина. Богатство мировосприятия и интеллектуальное мышление писателя и художественного критика позволили ему сквозь призму музыки передать дух своего времени, а междисциплинарный подход — более широко взглянуть на взаимовлияние музыкальных и литературных форм, сфокусировать анализ на проблеме слушания и слышания музыки, а в целом — на ее восприятии, то есть «проживании» (К. Г. Исупов) в музыке. Автор выстраивает контекст размышлений Боткина как ценителя искусства и музыки, акцентируя внимание на определенных категориях (исполнительство, интерпретация, тембровая природа музыкальных инструментов и др.), рассматривая музыку как способ мышления и как формообразующий элемент, конкретный композиционный ход. Опыт Боткина как уникальная практика одного человека (заметим, дилетанта в данной области), к сожалению, был мало изучен в его время, но представляет интерес сегодня как «сгусток культурно-исторического воздуха» (Г. С. Кнабе). Научная новизна исследования состоит в представлении и анализе комплекса материалов по осмыслению вчувствования в музыку писателя и публициста Боткина, сумевшего в своих поисках переводить литературные образы в музыкальные структуры, в звучащий мир, который дополнял его эмоционально и красочно.

Творчество французского композитора Эрика Сати представляет уникальное явление в истории музыкального искусства. Находясь на острие противоречий эпохи «fin de siècle» (c фр. «конец века»), Сати предвосхитил такие направления в музыкальном искусстве XX века, как импрессионизм, сюрреализм, конструктивизм, минимализм. Авторские ремарки в нотном тексте являют собой специфический аспект творчества композитора. В данной статье осуществляется попытка рассмотрения специфики их функционирования в фортепианных сочинениях Сати в контексте феномена паратекста. Термин «паратекст» был введен французским литературоведом Жераром Женеттом для обозначения тех составляющих литературного текста, которые, не принадлежа основному тексту, находятся на границе последнего и составляют вместе с ним общую картину произведения. Несмотря на то что термин «паратекст» изначально был применен по отношению к литературному тексту, представляется справедливым использование его и при анализе музыкальных сочинений. Авторские ремарки, являющиеся, исходя из концепции Женетта, перитекстуальными элементами музыкального произведения, в фортепианном творчестве Сати приобретают автономное значение и задают метамузыкальный уровень сочинений. Исходя из этого, представляется необходимым применение комплексного подхода к анализу фортепианных пьес Сати, учитывающего роль перитекстуальных элементов в творчестве композитора, что позволит выявить новаторские черты его сочинений. В качестве примера в статье рассматриваются перитекстуальные элементы нескольких фортепианных пьес Сати раннего и зрелого периодов творчества.

В статье рассматриваются изобразительные и выразительные средства, присущие живописи и графике на балетную тематику. В этих произведениях (как и во всех изобразительных искусствах) выделяется два канала передачи эмоциональной информации зрителю. Первый канал — это фабула, которая может быть выражена в словесной форме. Этот канал — неспецифический, общий и для живописи, и для графики, и для балета. Второй канал — специфический, он присущ в отдельности каждому виду искусства. Для живописи и графики это — изобразительная моторика, или почерк художника. Для балета это — телесная пластика, подчиненная музыкальному ритму. Следы движений художника способны непосредственно передавать эмоцию зрителю, минуя вербализацию. Тем самым именно в рассматриваемой изобразительной тематике формируется контакт между чисто пространственным искусством (живописью, графикой) и пространственно-временным искусством балета. В статье анализируются работы таких художников, как Эдгар Дега, Амедео Модильяни, а также наших ныне живущих соотечественников — Андрея Юрьевича Смирнова и Сергея Владимировича Бакина. На этих примерах показано, что в живописи и графике на балетную тематику происходит слияние двигательного акта художника и отображаемой балетной пластики.

Статья представляет краткий обзор материалов одиннадцати томов, изданных Международным Центром комплексных художественных исследований Саратовской государственной консерватории имени Л. В. Собинова по итогам прошедшего 30 декабря 2022 года X Международного научного форума «Диалог искусств и арт-парадигм» («SCIENCEFORUM PAN-ART IX»), который был посвящён 100-летию образования великой державы: Союза Советских Социалистических республик и 30-летию его распада. Целью настоящей статьи является систематизация многотомного издания, в котором в целое слиты статьи ведущих учёных, преподавателей высших и средних специальных учебных заведений как нашей страны, так и ближнего и дальнего зарубежья, аспирантов, связанные с тематикой форума. В работе анализируется парадигма взглядов авторов статей на музыкальное искусство, литературное творчество, изобразительное искусство, архитектуру, театр, кино, фольклор, формирующих целостную художественную картину мира обозначенного исторического периода.