В статье рассматриваются произведения заслуженного художника России, члена-корреспондента Российской академии художеств Ольги Яушевой, созданные на основе впечатлений от творческих поездок на Кубу. Многие написаны непосредственно с натуры во время пребывания в творческих командировках на Острове свободы, другие - в результате обработки в московской мастерской экспедиционных материалов (этюдов, эскизов, набросков). Цель данной статьи - проанализировать кубинскую серию работ мастера, созданных в 2019-2020-х годах, и с помощью структурно-семантического искусствоведческого анализа охарактеризовать систему средств художественной выразительности и семантики произведений живописца. Отсутствие значимых публикаций об О. Р. Яушевой актуализирует значение научных искусствоведческих исследований о художнице, которая занимает одно из лидирующих мест в современном российском искусстве.
Цели и задачи данной статьи заключаются в обращении к творчеству крымских художников ХХ века, определении значения деятельности Н. С. Барсамова для культурной жизни Феодосии, выявлении художественно-содержательных приоритетов его учеников: С. Г. Мамчича, В. А. Соколова, Н. А. Шорина, П. К. Столяренко - на ранних этапах творчества. Также в работе приводятся факты биографии Н. С. Барсамова, свидетельствующие о значимости его деятельности как директора Феодосийской картинной галереи имени И. К. Айвазовского и основателя художественной школы. Изобразительным материалом исследования послужили живописные произведения Феодосийской картинной галереи имени И. К. Айвазовского и Симферопольского художественного музея. Также изучены статьи, опубликованные в специализированных журналах и искусствоведческих сборниках, каталоги выставок (всесоюзных, республиканских, персональных, отдельных художественных объединений), воспоминания и письма участников процесса. В результате системно-исторического жанрового анализа удалось выстроить жанровую хронотипологию творчества художников. Для исследования отдельных произведений и выявления общих признаков применен формально-стилистический метод. Сравнительно-аналитический метод позволил изучить становление каждого представителя рассматриваемого живописного направления и выявить общие тенденции и влияние предшественников.
В статье рассматриваются произведения советских художников, посвященные Монголии и ныне хранящиеся в отдельном фонде Национальной художественной галереи Монголии в Улан-Баторе (в общей сложности более ста работ). В числе тех, кто трудился над их выполнением, были как малоизвестные ныне художники, так и крупные мастера советской школы живописи (Ф. С. Торхов, А. В. Казанский, Ю. А. Походаев, Д.-Н. Д. Дугаров). Рассматриваемый в статье изобразительный материал до сих пор не был известен специалистам и впервые вводится в научный оборот. На примере искусствоведческого анализа произведений, принадлежащих к жанрам портрета и пейзажа, а также бытовых сцен, сделана попытка выявить некоторые общие закономерности художественного творчества, влиявшие на формирование образа Монголии в советской живописи последней трети XX века. Особое место уделено рассмотрению вопроса о том, как знакомство с произведениями монгольских художников отразилось на отборе жизненных впечатлений и способов их изобразительной репрезентации.
В статье рассматриваются особенности творческого метода заслуженного художника России Геннадия Фёдоровича Борунова (1928-2008) на примере анализа некоторых центральных живописных произведений в творчестве мастера: «Председатель. Колхозная осень», «Красный трактор», «Иван Ползунов», созданных им в зрелый период творчества и находящихся в собрании Государственного художественного музея Алтайского края. Творческий метод Г. Ф. Борунова уже подвергался подробному рассмотрению в диссертационном исследовании Е. А. Мушниковой. Настоящее исследование продолжает изучение данной проблемы. Новизна публикации заключается в том, что в научный оборот впервые вводятся рисунки и этюды к перечисленным произведениям из собрания семьи художника, которые до настоящего исследования проанализированы не были. С помощью формального и историко-биографического методов дана оценка степени изученности творческого наследия Г. Ф. Борунова, показано влияние обучения будущего художника в Институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина в творческой мастерской народного художника России Б. В. Иогансона на формирование его индивидуального творческого метода, а также репрезентация усвоенных Г. Ф. Боруновым в Академии художеств знаний и принципов в разработке ключевых художественных образов. Основой для проведенного анализа стали опубликованные ранее искусствоведческие труды о художнике, фрагменты воспоминаний Г. Ф. Борунова, репродукции описываемых в статье произведений, а также рисунки и этюды к ним.
Автор анализирует свой опыт кураторской деятельности на примере реализации четырех областных регулярных молодежных выставок-конкурсов (2020-2023). В статье выявляются тенденции в художественной жизни Омска, послужившие предпосылками для учреждения I Областной выставки-конкурса молодых омских художников, а также обозначается спектр задач, которые она была призвана решить. Внимание сфокусировано на роли куратора в достижении положительной динамики результатов выставочного проекта с позиций многоаспектности его функций. Предложен апробированный в ходе реализации проектов инструментарий для вовлечения молодых художников в выставочный процесс и формирования единого молодежного сообщества внутри местных отделений Союза художников России. На примере реализованных проектов описаны конкретные результаты ежегодного функционирования конкурса, среди которых - открытие новых ярких имен.
В XX столетии изобразительное искусство Сибири, которое раньше ассоциировалось в основном с именем великого исторического живописца В. И. Сурикова, возвысилось до академических высот, и сегодня каждый сибирский регион демонстрирует работы крупнейших художников во всех видах и жанрах искусства. В этом ряду стоит творчество омского художника Николая Михайловича Брюханова. Существующие искусствоведческие исследования помогают не только оценить художественные достижения мастера, но и понять контекст его творчества, который был неразрывно связан с развитием искусства в Омске в XX веке. Известны биография, роль Н. М. Брюханова в художественных процессах своего времени, изучается его творческий метод и отдельные произведения. Среди анализируемых работ выделяется знаменитое полотно «Славянский марш (Прощание славянки)», которое стало символом его художественного поиска и отражением духа времени. Однако, несмотря на попытки описания картины, остается открытым вопрос о том, что именно побудило Брюханова в тридцатилетнем возрасте начать работу над этим произведением, которая длилась на протяжении десяти лет. Это могло быть связано с его стремлением к глубокой проработке темы, а также с желанием создать что-то поистине значимое и масштабное. Статья посвящена всестороннему изучению картины, охватывающему историю ее создания, путь в мире искусства и детальный анализ художественных средств и смысла. Для достижения поставленной цели использованы историко-биографический и иконографический методы, позволяющие реконструировать контекст появления картины и проанализировать ее художественные особенности в сопоставлении с другими произведениями искусства. При этом определены не только тематические совпадения, связанные с патриотической тематикой и изображением народного подвига, но и глубокие пластические параллели. Особое внимание уделяется дискуссионному вопросу о жанровой принадлежности «Славянского марша», предложено понятие «предстояние» как наиболее адекватное определение этого вида патриотического искусства, показывающего готовность к самопожертвованию во имя высших идеалов. Исследование демонстрирует, как личное мировосприятие художника и общественно-исторические реалии отразились на создании картины. Изучение источников - письменных свидетельств, мемуаров, документов, связанных с созданием и экспозицией картины, - позволило восстановить историю ее бытования и контекст восприятия. Иконографический метод сосредоточен на детальном анализе композиции, колорита, использования линии и ритма, а также символики, заложенной художником в картину. Показано, как мастер искал идеальное сочетание формы и содержания, стремясь передать сложные эмоции и идеи. Работы Н. М. Брюханова остаются актуальными и сегодня, а изучение его жизни и творчества способствует более глубокому пониманию не только художественного наследия мастера, но и тех социальных и культурных процессов, которые происходят в Омске и России в целом в XX - начале XXI века.
Статья посвящена исследованию портретов работы омского художника Николая Яковлевича Третьякова (1926-1989), хранящихся в фонде графики Омского областного музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля. Н. Я. Третьяков - один из самых значительных мастеров изобразительного искусства Омска второй половины ХХ века. Живописец, график, художник монументально-декоративного искусства, он оставил необычайно важный след в художественной и культурной жизни города. Произведения мастера находятся в музейных собраниях нескольких сибирских городов, наиболее полно его творчество представлено в собрании Омского музея имени М. А. Врубеля. Актуальность проведенного исследования определена подготовкой каталога графических произведений художника. Материалом послужили портреты, созданные в различных техниках рисунка, акварели, а также в наиболее востребованной художником смешанной технике. В статье рассматриваются в хронологической последовательности избранные работы, характеризующие творчество Н. Я. Третьякова на разных этапах. Они сгруппированы по жанрам и темам портретных изображений (натурные рисунки и акварели, станковые композиции, выполненные в цвете, шаржи; портреты близких людей, казахстанские мотивы, образы детей, портреты современников, автопортрет). Очерчен круг людей, выступающих в качестве моделей, приведены найденные сведения о некоторых из них. Выявлены различные подходы в решении образов, прослеживаются изменения, происходившие в художественном языке мастера, связанные как с общими тенденциями в отечественном искусстве, так и с внутренней логикой эволюции творчества Н. Я. Третьякова и особенностями его индивидуального видения.
Творческое наследие К. А. Коровина входит в группу произведений художников, наиболее часто фальсифицируемых, поэтому тема определения подлинности его произведений актуальна. Глобализационные процессы и ряд других факторов, ослабляющих признаки индивидуальности в российском обществе, безусловно, отражаются на современном искусстве. Однако художественная культура наряду с имеющимися в ней формами анонимности продолжает приветствовать авторство. Аутентичность предмета искусства дает возможность понять талант художника, идеи и переживания, свойственные времени, в котором жил и работал мастер; проследить, насколько значимо в современности всё то, что волновало художника в его эпоху. Преградой в общении зрителя с подлинными произведениями становятся неправомерные действия в художественной культуре. К таковым можно причислить фальсифицирование авторского творчества. Статья представляет результат межмузейного сотрудничества в исследовании как подлинных произведений К. А. Коровина с целью определения устойчивых художественных приемов, так и трех картин, выдаваемых за произведения этого живописца. Основным методом работы послужила искусствоведческая экспертиза с использованием физико-химических анализов. Группу межмузейного сотрудничества составили специалисты из Центра художественной экспертизы имени И. Е. Репина, Научно-исследовательской лаборатории Московского музея современного искусства и Омского областного музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля. В рамках исследования проведена рентгенография и определен состав красочных паст и грунта шести картин, в результате чего установлено авторство трех произведений К. А. Коровина, а также выявлено три поддельных полотна. Выводы исследования пополнили банк технологических данных произведений искусства К. А. Коровина новыми сведениями и обогатили знания о творческом методе художника.
В статье приводится аналитический обзор хранящихся в Омском музее изобразительных искусств имени М. А. Врубеля живописных полотен разных жанров из собрания потомственного петербургского купца, торговца мануфактурой, коллекционера Александра Александровича Коровина (1870-1922). Излагается история создания и бытования произведений из его коллекции. Обращение к этим произведениям и их анализ объясняются необходимостью определения их значимости в контексте биографии и собирательской деятельности А. А. Коровина, а также позволяют определить ценность этих полотен, своеобразие и оригинальность манеры их авторов. В статье представлены результаты комплексного исследования, выполненного на основе разнообразных источников, а именно: фондовых материалов Омского музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля, документов, хранящихся в Государственном историческом архиве Омской области, редких дореволюционных изданий, справочников и каталогов, а также статей современных искусствоведов о коллекционере. Особое внимание уделено большеформатному полотну В. И. Денисова «Саломея» (1908), которое впервые спустя почти 100 лет со времени поступления экспонируется на юбилейной выставке «Парад премьер» в конце 2024 года в Музее имени М. А. Врубеля. В исследовании произведений коллекции применены историко-биографический метод, а также элементы иконографического и формально-стилистического анализов. Показано, что А. А. Коровин в отличие от других российских коллекционеров проявлял большой интерес к современному искусству, к творчеству еще не достигших большого признания публики и критики художников, высоко оцененных лишь со временем.
Статья посвящена ранним живописным и графическим произведениям одного из самых «левых» художников омского авангарда 1910-х - начала 1920-х годов Виктора Ивановича Уфимцева. Поступившие в Западно-Сибирский краевой музей в 1935 году в составе обширного архива омского писателя А. С. Сорокина, они, как и работы А. М. Громова, Н. А. Мамонтова, В. А. Тронова, В. К. Эттеля, Б. С. Шабль-Табулевича и других мастеров, были обнаружены только в конце 1970-х годов. Изучение анонимных работ, составлявших значительную часть архива А. С. Сорокина, проводилось с помощью стилистического анализа с опорой на эталонные работы В. И. Уфимцева. Значительную роль в уточнении названий и датировок сыграли дневники художника, поступившие в коллекцию Омского областного музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля в 2009 году.
Статья посвящена теоретическому осмыслению международного выставочного проекта «Кулу - серебряная долина Рерихов», реализованного в Государственном художественном музее Алтайского края в 2024 году. Изложена продолжительная творческая предыстория, закономерным итогом которой стали произведения искусства, вошедшие в тематико-экспозиционный план рассматриваемой выставки. Раскрыты концептуальные основы реализованного проекта, предпринята попытка обоснования понятия «евразийский концепт» применительно к художественным процессам и построению экспозиции. Проанализированы ключевые работы выставки, дана характеристика их экспозиционной классификации и принципа организации, интерпретирован язык визуальных образов экспонатов. В исследовании использованы иконографический и сравнительно-культурологический методы, при изучении экспозиции - метод непосредственного наблюдения; в методологическую базу работы вошли как основные элементы теории музееведения, так и методологические основы других научных дисциплин - культурологии, философии.
Статья посвящена философско-религиозному направлению «метафизика света» и проявлению его идей в художественном творчестве, прежде всего в творчестве импрессионистов. Дан краткий обзор развития метафизики света, выделены ее основные идеи: свет как основа бытия и творящая сила, свет как сила разума, наличие различных уровней света. На ряде примеров показано воплощение данных идей в изобразительном искусстве, и прежде всего в творчестве художников-импрессионистов. Исследование проведено с использованием историко-генетического и историко-описательного методов, концептуального анализа.