Статья: ПЕРВЫЙ ПЕТЕРБУРГСКИЙ ПРОЕКТ КОЛЛЕКЦИОННОГО ДИЗАЙНА (2024)

Одним из важнейших центров обеспечения качественного академического образования, отвечающим актуальным запросам общества и потребностям государства, на протяжении своей истории оставалось ЛВХПУ им. В. И. Мухиной, ныне Академия им. А. Л. Штиглица, выпускники которой и сегодня высоко держат планку в процессе развития петербургской и российской школ дизайна. Отметившая в этом году шестидесятилетний юбилей кафедра графического дизайна сыграла ключевую роль в формировании нового взгляда на визуальную коммуникацию, способствовала появлению оригинальных дизайнерских решений, сочетающих в себе традиции и современность. Выпускники кафедры стали основоположниками многих направлений дизайна, сформировавших общественное восприятие не одного поколения и отразивших дух времени: от оформления упаковок промышленных товаров до создания объемных комплексных графических систем.

С 18 сентября по 2 октября 2024 г. в «Студии 42» в культурном пространстве «Севкабель Порт» в рамках федерального конкурса молодежного дизайна и искусства “Дизайн молодых/Young Design” прошла выставка «Петербургские школы дизайна». Она объединила четыре ведущих вуза Санкт-Петербурга, занимающихся подготовкой специалистов в области дизайна и искусства: Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию им. А. Л. Штиглица, НИУ ВШЭ – Санкт-Петербург, Политехнический университет Петра Первого и Университет промышленных технологий и дизайна.

В 2019 г. в связи с новым проектом петербургского правительства «Санкт-Петербург — международный центр индустрии моды», Санкт-Петербургским Союзом дизайнеров было принято решение объединить лучших выпускников ведущих ВУЗов Северной столицы по направлению обучения «Дизайн костюма» и продемонстрировать их высокий потенциал перед профильной аудиторией, заинтересованной в развитии индустрии моды в стране.

Промышленный дизайн — уникальный феномен культуры. Выдающийся теоретик дизайна Т. Мальдонадо называет его точкой соединения исключительных и новаторских предложений в отношениях между искусством и техникой [Королева 2021, Maldonado 1949]

Статья посвящена проявлению японизма в европейском и российском костюме периода эклектики и модерна. Термин «японизм» в статье понимается как влияние культуры и искусства Японии на соответствующие сферы в Европе и России. Японизм в дизайне костюма рассматривается в нескольких аспектах: 1) внимание в Европе и России к традиционному национальному костюму Японии как проявление интереса к экзотике ее культуры; 2) воздействие особенностей кроя и силуэта кимоно на европейский костюм второй половины XIX — начала ХХ в.; 3) интерес европейских и отечественных дизайнеров костюма к декору и аксессуарам восточных нарядов. Эти особенности рассматриваются на изделиях коллекций костюма двух музеев — Эрмитажа и Института костюма Киото. В ракурсе темы анализируются произведения ведущих мастеров моды Европы (Ч. Ворт) и России (Н. Ламанова).

Становление дизайна как проектно-художественной деятельности, в основе которой лежит конструирование и создание промышленных объектов, тесно связано с техническими и технологическими новациями, а также с изобретением новых материалов. Их свойства и характеристики учитываются при разработке дизайна любого предмета быта или роскоши. Однако с развитием научно-технического прогресса и появлением инноваций полного вытеснения традиционных, натуральных материалов не последовало. Например, использование дубленной кожи актуально и сегодня. История юфти (русской кожи) тесно связана с эволюцией дизайна и характеристиками материала, способами художественной обработки, в результате повлиявшими на интенсификацию кожевенного производства и на историко-культурное наследие нашей страны. В статье собрана информация об исторических событиях, оказавших влияние на развитие и распространения юфти, а также на примере отдельного экспоната из коллекции Государственного Эрмитажа — курульного стула работы тульских мастеров — рассмотрен дизайн предмета мебели, для изготовления которого использовалась предположительно русская кожа.

Школа Баухаус занимает особое положение в художественной системе XX в. Как и русский конструктивизм, Баухаус стал базовой платформой для изменения графической программы и формирования дизайна XX столетия. Программа школы подразумевала радикальную реформу всей визуальной системы. Издательские проекты Баухауса, оказавшие принципиальное воздействие на последующее развитие графического дизайна, были задуманы как одна из форм представления новых художественных принципов, а также как поддержка незащищенного положения школы в быстро меняющейся социальной среде. Целью издательских проектов Баухауса было информирование о деятельности школы, а также представление смысла и возможностей новой художественной практики. В рамках данной работы рассматриваются основные издательские проекты, сформированные и поддержанные школой Баухаус. Особое внимание уделено серии книг Баухаус как важному прецеденту в сфере развития графического дизайна. Статья рассматривает содержательную основу и графическую форму такого публикационного проекта как Bauhausbücher.

Сиро Курамата — одна из ключевых фигур японского дизайна. Его творческий почерк обладает неповторимой поэтичностью и характеризуется использованием ярких метафор и гротеска в создании образов. Он принимал участие в проектировании предметов мебели легендарной итальянской группы «Мемфис», дружил и сотрудничал с ее создателем — Этторе Соттсассом. Творчество Сиро Курамата относится к послевоенному периоду японского и мирового дизайна 60–80-х годов XX в., которые были наполнены поисками и находками, повлиявшими на дальнейшее развитие мирового дизайна.

В предлагаемом материале автор размышляет о перспективах развития научных идей об искусстве в условиях накопившегося в ХХ — начале ХХI столетия потенциала гуманитарных проблем. Обсуждается возможность формирования более сбалансированного систематического поля некоторых категорий при оценке происходивших и происходящих в отечественном искусстве и культуре изменений. Этот аспект предполагает уточнение междисциплинарного видения теории и методологии и различий в особенностях их применения. Приоритетами в научной перспективе на сегодня являются вопросы методологии.

На запрос со словом «оригами» в поисковой системе в сети интернет появляется множество ссылок, погружаясь в которые можно найти бесчисленное количество изображений и схем простых и сложных моделей из бумаги, работа над которыми требует навыка. Авторы статьи знакомят с конкурсными работами будущих дизайнеров и художников кино и телевидения по костюму, демонстрирующими решение более сложной задачи — создания модели современного или исторического женского платья на манекене методом складывания цельного отреза ткани, как альтернативы кроеному изделию.

Китч, несмотря на его часто критикуемую поверхностность и сентиментальность, способен играть важную роль в конструировании и репрезентации региональной идентичности. Он может обеспечивать узнаваемость и доступность культурных символов, помогать сохранять и передавать традиции, вызывать эмоциональные отклики и поддерживать местную экономику через коммерциализацию культуры. Таким образом, китч становится мощным инструментом в формировании и поддержании региональной идентичности. Иллюстрацией тому может послужить коллекция сувенирных изделий бренда «Siberian Kitsch», рассматриваемая в статье в качестве примера комплексного воздействия визуальных и вербальных сообщений. Авторами исследуется роль юмора и самоиронии в создании эмоционального посыла, а также графические приемы, на основе которых создана продукция, представляющая собой культурный артефакт, связанный с Сибирью.

Тема поиска идентичности на сегодня является одной из самых актуальных как для дизайна, так и для всех креативных индустрий. В процессе своего развития данный тренд проходит несколько этапов и формируется в разных направлениях дизайна. Одним из таких направлений можно назвать конкурсы предметного дизайна, которые имеют своей целью не только показать актуальное состояние современного проектирования, но и продемонстрировать перспективы его развития. Этому посвящен Всероссийский конкурс-биеннале «Придумано и сделано в России» (далее Конкурс), молодежная номинация которого предлагает начинающим дизайнерам представить свое видение развития предметного дизайна, продемонстрировать собственный почерк и особенности творческого подхода. По прошествии нескольких сезонов Конкурса можно проанализировать последние тренды творческого эксперимента в дизайне и сформировать представление о векторах его развития в России: исследование этнической культуры, поиск локальной идентичности, переосмысление исторического и культурного наследия, экология.

При разработке дизайна выставочных экспозиций с помощью текстиля можно решать большое количество функциональных, декоративных и художественных задач. На примере материалов Всемирной выставки Экспо–2020 (Дубай, Объединенные Арабские Эмираты, 01.10.2021–31.03.2022) анализируются особенности применения текстиля для создания оригинальных художественно-проектных решений выставочных павильонов. Элементы текстиля могут выступать в качестве формообразующей структуры и декоративных элементов фасадов в архитектурных решениях павильонов. В интерьере экспозиции — это драпировки-кулисы, текстильные перегородки и панели, способные зонировать пространство. Мягкие экраны для видеопроекций создаются посредством применения тканевых материалов. Для получения оригинальных дизайн-решений для видеоинсталляций применяются ленты, нити, канаты, многослойные полупрозрачные шифоны и другие текстильные элементы с различными свойствами фактуры поверхности. Текстиль как объект культурного наследия привносит в выставочное пространство концептуальные идеи сохранения национальной самобытности и идентичности. Крупная текстильная инсталляция способна стать композиционной доминантой экспозиции с глубоким концептуальным значением. Результаты исследования актуальны для профессионалов в области экспозиционного дизайна, современного искусства и дизайна текстиля.

Методологические исследования в дизайне постоянно обращаются к проблеме баланса интуитивного и рационального, свободы и дисциплины, творческого хаоса и научного порядка. Авторский метод Transscript (Г. Н. Лола) представляет собой попытку гармонизировать преднамеренность и случайность в дизайнерской практике. Концептуальная работа в дизайне не должна быть планированием, ее цель — создать пространство и навигацию для творческой энергии. Неумеренный прагматизм и желание полностью контролировать процесс приводит к воспроизведению уже существующего и, как следствие, к захламлению среды во всех смыслах этого слова. Метод Transscript призван культивировать случайность, учиться работать с ней. Эту задачу решает важнейшее методологические действие — работа с кодами в ментальном ландшафте. Дизайнеру предложено создать свой уникальный природоподобный пространственно-временной континуум, в котором творческая энергия получает не правила, а направления-русла для развития. Практическим результатом изучения креативного процесса и ландшафтного мышления стала книга Г. Н. Лола «Дизайн Перемен. Микродинамика креативного действия» [Лола 2024], дизайн которой разработан на основе принципов Transscript. Метод прошел апробацию и показал свою эффективность, а также способность к адаптации: дизайнеры легко проводят настройку метода, учитывая особенности своего мышления и творческого темперамента. Так же работает и книга «Дизайн Перемен», которая не только вовлекает в процесс самостоятельного активного освоения материала, но и генерирует новое знание.

В мире растет число музеев дизайна. Продукты дизайнерского творчества все чаще становятся музейными экспонатами. В статье предпринята попытка выявить специфику дизайна как объекта музеефикации. Перспективы музеефикации продуктов дизайна рассматриваются в сравнении с практиками музеефикации произведений искусства.