Статья: КОМПОЗИЦИЯ И СТИЛИСТИЧЕСКИЕ ОСОБЕННОСТИ СОВРЕМЕННЫХ ХРАМОВЫХ МОЗАИК (2024)

Статья посвящена иконографии Махадевы в девяти значениях этого термина и имени в буддийском искусстве. В статье рассматриваются особенности изображения Махадевы в буддийских сутрах, на колонне Академии искусств Гонолулу, в храме Харити на горе Гопучча (Непал), на главной стене второй галереи Боробудура (Индонезия), в сочинениях «Собрание изображений мудр в Мантраяне», «Пятьдесят пять паломничеств Дзэндзай Додзи», «Изображения и восхваления странствий Судханы в соответствии с наставлениями Манчжушри», научных трудах XX века. Иконографические описания, выполненные на материале многочисленных стран и регионов, охваченных буддийским влиянием, дают возможность не только достоверно реконструировать этапы формирования буддийского пантеона, но и практически применять полученные результаты для атрибуции и интерпретации памятников буддийского искусства. Научный перевод статьи Локеша Чандры из «Словаря буддийской иконографии» выполнен С. М. Белокуровой.

Автор рассматривает концепцию и экспонаты выставки буддийского бурятского искусства из коллекции Государственного Эрмитажа» (XIII - начала XX века), призванной показать преемственность монгольской буддийской культуры начиная со времени Чингис-хана на основе богатой коллекции Государственного Эрмитажа. В экспозиции 2024 года соединились археологические артефакты и буддийские произведения скульптуры и живописи. Целью исследования является анализ концепции выставки и рассмотрение некоторых экспонатов. Выставка, впервые объединившая артефакты буддийского искусства, археологические находки и исторические фотографии, посвященные Бурятии, из Эрмитажа, значима в исследовании региональной истории и культуры. Ее новаторство заключается не только в уникальном сочетании экспонатов, но и в комплексном подходе к изучению культуры и искусства населявших эту территорию этносов. Выставка способствовала изучению круга предметов, связанных с историей, археологией и буддизмом Бурятии, помогла изучить культы, бытовавшие в XVIII - начале XX века. Материалом исследования стали экспонаты - находки С. В. Киселёва из средневековых городищ Бурятии и Забайкалья, входивших в состав Великого монгольского государства, предметы из коллекций Э. Э. Ухтомского, П. К. Козлова, А. К. Фаберже, Б. И. Панкратова. Буддийская серебряная скульптура происходит из личных комнат Николая Второго в Зимнем дворце. Фотографии нерчинского фотографа А. К. Кузнецова были поднесены цесаревичу во время его путешествия по Сибири и Забайкалью в 1891 году. Они отражали быт и культуры разных народов, населявших этот регион в конце XIX века. Исследование проведено с использованием проблемно-хронологического, историко-генетического, историко-сравнительного методов, а также метода исследования индивидуального явления в рамках поликонтекстуального подхода. В результате археологические находки и предметы буддийской традиции описаны во временной последовательности; выявлены процессы формирования иконографии и композиции. На основании анализа археологических артефактов, оригинальных текстов, предметов буддийского культа, архивных материалов, опубликованных источников и научных трудов раскрыт ряд вопросов становления и развития буддийской традиции как части духовной культуры регионов Бурятии и Забайкалья.

В статье приведен аналитический обзор выставки, организованной в рамках Года педагога и наставника (2023 год) к 75-летию со дня рождения Людмилы Романовны Ведерниковой - хранителя коллекции керамики и стекла Омского областного музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля. Выставка в Омске представила коллекцию дулёвского фарфора, собранную в Москве учеником в дар учителю и в знак благодарной памяти. Определены цель, актуальность и уникальность выставочного проекта, описана его концепция, проанализированы тематико-экспозиционный план и ключевые экспонаты. Выставка акцентировала внимание на дружбе Л. Р. Ведерниковой и скульпторов Дулёвского фарфорового завода А. Д. Бржезицкой и Г. И. Соркиной. Впервые после 1987 года скульптурная композиция «Кактусисты» Г. И. Соркиной демонстрировалась в качестве кашпо для живых цветущих кактусов на фоне авторских эскизов, сообщающих идею автора. В качестве ключевого экспоната выделена скульптура «Татарский танец» А. Д. Бржезицкой, представленная после атрибуции с указанием имени и роли танцовщицы, краткими биографическими сведениями.

В статье рассматриваются произведения заслуженного художника России, члена-корреспондента Российской академии художеств Ольги Яушевой, созданные на основе впечатлений от творческих поездок на Кубу. Многие написаны непосредственно с натуры во время пребывания в творческих командировках на Острове свободы, другие - в результате обработки в московской мастерской экспедиционных материалов (этюдов, эскизов, набросков). Цель данной статьи - проанализировать кубинскую серию работ мастера, созданных в 2019-2020-х годах, и с помощью структурно-семантического искусствоведческого анализа охарактеризовать систему средств художественной выразительности и семантики произведений живописца. Отсутствие значимых публикаций об О. Р. Яушевой актуализирует значение научных искусствоведческих исследований о художнице, которая занимает одно из лидирующих мест в современном российском искусстве.

Цели и задачи данной статьи заключаются в обращении к творчеству крымских художников ХХ века, определении значения деятельности Н. С. Барсамова для культурной жизни Феодосии, выявлении художественно-содержательных приоритетов его учеников: С. Г. Мамчича, В. А. Соколова, Н. А. Шорина, П. К. Столяренко - на ранних этапах творчества. Также в работе приводятся факты биографии Н. С. Барсамова, свидетельствующие о значимости его деятельности как директора Феодосийской картинной галереи имени И. К. Айвазовского и основателя художественной школы. Изобразительным материалом исследования послужили живописные произведения Феодосийской картинной галереи имени И. К. Айвазовского и Симферопольского художественного музея. Также изучены статьи, опубликованные в специализированных журналах и искусствоведческих сборниках, каталоги выставок (всесоюзных, республиканских, персональных, отдельных художественных объединений), воспоминания и письма участников процесса. В результате системно-исторического жанрового анализа удалось выстроить жанровую хронотипологию творчества художников. Для исследования отдельных произведений и выявления общих признаков применен формально-стилистический метод. Сравнительно-аналитический метод позволил изучить становление каждого представителя рассматриваемого живописного направления и выявить общие тенденции и влияние предшественников.

В статье рассматриваются произведения советских художников, посвященные Монголии и ныне хранящиеся в отдельном фонде Национальной художественной галереи Монголии в Улан-Баторе (в общей сложности более ста работ). В числе тех, кто трудился над их выполнением, были как малоизвестные ныне художники, так и крупные мастера советской школы живописи (Ф. С. Торхов, А. В. Казанский, Ю. А. Походаев, Д.-Н. Д. Дугаров). Рассматриваемый в статье изобразительный материал до сих пор не был известен специалистам и впервые вводится в научный оборот. На примере искусствоведческого анализа произведений, принадлежащих к жанрам портрета и пейзажа, а также бытовых сцен, сделана попытка выявить некоторые общие закономерности художественного творчества, влиявшие на формирование образа Монголии в советской живописи последней трети XX века. Особое место уделено рассмотрению вопроса о том, как знакомство с произведениями монгольских художников отразилось на отборе жизненных впечатлений и способов их изобразительной репрезентации.

В статье рассматриваются особенности творческого метода заслуженного художника России Геннадия Фёдоровича Борунова (1928-2008) на примере анализа некоторых центральных живописных произведений в творчестве мастера: «Председатель. Колхозная осень», «Красный трактор», «Иван Ползунов», созданных им в зрелый период творчества и находящихся в собрании Государственного художественного музея Алтайского края. Творческий метод Г. Ф. Борунова уже подвергался подробному рассмотрению в диссертационном исследовании Е. А. Мушниковой. Настоящее исследование продолжает изучение данной проблемы. Новизна публикации заключается в том, что в научный оборот впервые вводятся рисунки и этюды к перечисленным произведениям из собрания семьи художника, которые до настоящего исследования проанализированы не были. С помощью формального и историко-биографического методов дана оценка степени изученности творческого наследия Г. Ф. Борунова, показано влияние обучения будущего художника в Институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина в творческой мастерской народного художника России Б. В. Иогансона на формирование его индивидуального творческого метода, а также репрезентация усвоенных Г. Ф. Боруновым в Академии художеств знаний и принципов в разработке ключевых художественных образов. Основой для проведенного анализа стали опубликованные ранее искусствоведческие труды о художнике, фрагменты воспоминаний Г. Ф. Борунова, репродукции описываемых в статье произведений, а также рисунки и этюды к ним.

Автор анализирует свой опыт кураторской деятельности на примере реализации четырех областных регулярных молодежных выставок-конкурсов (2020-2023). В статье выявляются тенденции в художественной жизни Омска, послужившие предпосылками для учреждения I Областной выставки-конкурса молодых омских художников, а также обозначается спектр задач, которые она была призвана решить. Внимание сфокусировано на роли куратора в достижении положительной динамики результатов выставочного проекта с позиций многоаспектности его функций. Предложен апробированный в ходе реализации проектов инструментарий для вовлечения молодых художников в выставочный процесс и формирования единого молодежного сообщества внутри местных отделений Союза художников России. На примере реализованных проектов описаны конкретные результаты ежегодного функционирования конкурса, среди которых - открытие новых ярких имен.

В XX столетии изобразительное искусство Сибири, которое раньше ассоциировалось в основном с именем великого исторического живописца В. И. Сурикова, возвысилось до академических высот, и сегодня каждый сибирский регион демонстрирует работы крупнейших художников во всех видах и жанрах искусства. В этом ряду стоит творчество омского художника Николая Михайловича Брюханова. Существующие искусствоведческие исследования помогают не только оценить художественные достижения мастера, но и понять контекст его творчества, который был неразрывно связан с развитием искусства в Омске в XX веке. Известны биография, роль Н. М. Брюханова в художественных процессах своего времени, изучается его творческий метод и отдельные произведения. Среди анализируемых работ выделяется знаменитое полотно «Славянский марш (Прощание славянки)», которое стало символом его художественного поиска и отражением духа времени. Однако, несмотря на попытки описания картины, остается открытым вопрос о том, что именно побудило Брюханова в тридцатилетнем возрасте начать работу над этим произведением, которая длилась на протяжении десяти лет. Это могло быть связано с его стремлением к глубокой проработке темы, а также с желанием создать что-то поистине значимое и масштабное. Статья посвящена всестороннему изучению картины, охватывающему историю ее создания, путь в мире искусства и детальный анализ художественных средств и смысла. Для достижения поставленной цели использованы историко-биографический и иконографический методы, позволяющие реконструировать контекст появления картины и проанализировать ее художественные особенности в сопоставлении с другими произведениями искусства. При этом определены не только тематические совпадения, связанные с патриотической тематикой и изображением народного подвига, но и глубокие пластические параллели. Особое внимание уделяется дискуссионному вопросу о жанровой принадлежности «Славянского марша», предложено понятие «предстояние» как наиболее адекватное определение этого вида патриотического искусства, показывающего готовность к самопожертвованию во имя высших идеалов. Исследование демонстрирует, как личное мировосприятие художника и общественно-исторические реалии отразились на создании картины. Изучение источников - письменных свидетельств, мемуаров, документов, связанных с созданием и экспозицией картины, - позволило восстановить историю ее бытования и контекст восприятия. Иконографический метод сосредоточен на детальном анализе композиции, колорита, использования линии и ритма, а также символики, заложенной художником в картину. Показано, как мастер искал идеальное сочетание формы и содержания, стремясь передать сложные эмоции и идеи. Работы Н. М. Брюханова остаются актуальными и сегодня, а изучение его жизни и творчества способствует более глубокому пониманию не только художественного наследия мастера, но и тех социальных и культурных процессов, которые происходят в Омске и России в целом в XX - начале XXI века.

Статья посвящена атрибуции произведений западноевропейской живописи XVIII-XIX веков из собрания Омского областного музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля, одного из крупнейших региональных музеев страны. Изучение богатейших коллекций западноевропейского искусства, сосредоточенных в региональных отечественных музеях, - собраний, зачастую малоизвестных даже специалистам, имеет особую актуальность, позволяя восстанавливать страницы истории искусства и заполнять ее лакуны. Живописные произведения, ставшие объектом исследования в статье, относятся к числу первых музейных поступлений 1920-х годов. На протяжении долгого времени они не привлекали к себе внимания специалистов, их изучение происходило уже на современном этапе. Атрибуция проведена на основе применения комплексного подхода, предусматривающего использование сравнительного стилистического анализа, технико-технологических исследований, а также работу с архивными документами. Такой подход демонстрирует многообразие способов и путей атрибуции. В результате определено авторство трех произведений, в научный оборот введены ранее неизвестные произведения, принадлежащие кисти значимых европейских мастеров XVIII-XIX веков - венецианского живописца Грегорио Ладзарини (1657-1730), французских художников Жана-Луи де Марна (Демарна) (1752-1829) и Анри Дювье (Дюве) (1855-1902).

Статья посвящена исследованию портретов работы омского художника Николая Яковлевича Третьякова (1926-1989), хранящихся в фонде графики Омского областного музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля. Н. Я. Третьяков - один из самых значительных мастеров изобразительного искусства Омска второй половины ХХ века. Живописец, график, художник монументально-декоративного искусства, он оставил необычайно важный след в художественной и культурной жизни города. Произведения мастера находятся в музейных собраниях нескольких сибирских городов, наиболее полно его творчество представлено в собрании Омского музея имени М. А. Врубеля. Актуальность проведенного исследования определена подготовкой каталога графических произведений художника. Материалом послужили портреты, созданные в различных техниках рисунка, акварели, а также в наиболее востребованной художником смешанной технике. В статье рассматриваются в хронологической последовательности избранные работы, характеризующие творчество Н. Я. Третьякова на разных этапах. Они сгруппированы по жанрам и темам портретных изображений (натурные рисунки и акварели, станковые композиции, выполненные в цвете, шаржи; портреты близких людей, казахстанские мотивы, образы детей, портреты современников, автопортрет). Очерчен круг людей, выступающих в качестве моделей, приведены найденные сведения о некоторых из них. Выявлены различные подходы в решении образов, прослеживаются изменения, происходившие в художественном языке мастера, связанные как с общими тенденциями в отечественном искусстве, так и с внутренней логикой эволюции творчества Н. Я. Третьякова и особенностями его индивидуального видения.

Творческое наследие К. А. Коровина входит в группу произведений художников, наиболее часто фальсифицируемых, поэтому тема определения подлинности его произведений актуальна. Глобализационные процессы и ряд других факторов, ослабляющих признаки индивидуальности в российском обществе, безусловно, отражаются на современном искусстве. Однако художественная культура наряду с имеющимися в ней формами анонимности продолжает приветствовать авторство. Аутентичность предмета искусства дает возможность понять талант художника, идеи и переживания, свойственные времени, в котором жил и работал мастер; проследить, насколько значимо в современности всё то, что волновало художника в его эпоху. Преградой в общении зрителя с подлинными произведениями становятся неправомерные действия в художественной культуре. К таковым можно причислить фальсифицирование авторского творчества. Статья представляет результат межмузейного сотрудничества в исследовании как подлинных произведений К. А. Коровина с целью определения устойчивых художественных приемов, так и трех картин, выдаваемых за произведения этого живописца. Основным методом работы послужила искусствоведческая экспертиза с использованием физико-химических анализов. Группу межмузейного сотрудничества составили специалисты из Центра художественной экспертизы имени И. Е. Репина, Научно-исследовательской лаборатории Московского музея современного искусства и Омского областного музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля. В рамках исследования проведена рентгенография и определен состав красочных паст и грунта шести картин, в результате чего установлено авторство трех произведений К. А. Коровина, а также выявлено три поддельных полотна. Выводы исследования пополнили банк технологических данных произведений искусства К. А. Коровина новыми сведениями и обогатили знания о творческом методе художника.

Статья посвящена истории атрибуции вазы из фонда художественной керамики и стекла Омского областного музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля. Актуальность исследования определена необходимостью атрибуции, систематизации, каталогизации музейных фондов в контексте истории развития музея. В результате исследования выявлен ряд важных аспектов формирования, бытования и изучения коллекции художественного фарфора в Омском областном музее изобразительных искусств. Материалом анализа послужили музейные предметы, архивные документы, издания музея, введены в научный оборот ранее не опубликованные сведения учетной документации и музейных картотек. Исследование проведено с помощью метода диахронического анализа, элементов иконографического и формально-стилистического методов. Воссоздание хроники и обстоятельств атрибуции избранного музейного предмета позволило внедрить в историю коллекции фарфора оригинальную тематико-хронологическую периодизацию и открыло новый ракурс для анализа введенных в научный оборот исторических источников сведений о развитии музея. Результаты дали основание заявить о двуединой информационной природе музейного предмета как исторического источника. Научная атрибуция служит выявлению забытых или утраченных интенций прошлого, которые являются основой для дальнейшей репрезентации. Воссоздание же истории музейной атрибуции для некоторых экспонатов способствует более глубокому пониманию становления и развития музейного собрания в целом.

Рассматриваются экспонаты из коллекции студенческих работ Художественно-промышленного техникума (Худпрома) имени М. А. Врубеля, которая хранится в Омском областном музее изобразительных искусств имени М. А. Врубеля. В центре внимания - учебные работы, выполненные в 1927-1931 годах по заданию на выявление пространства (задание № 6) при освоении учебного курса «Основы архитектуры», разработанного в ноябре 1926 года преподавателем техникума, архитектором П. И. Русиновым. Определено значение задания на выявление пространства в общем курсе «Основы архитектуры»: оно имело характер итогового зачета, который требовал от студентов применения всех освоенных ранее знаний и приемов. Впервые проведена атрибуция работ по заданию № 6: анализировались типы изображенных пространств, надписи на листах сравнивались с характеристиками задания, указанными П. И. Русиновым в учебной программе и ее рабочем плане. Всего методом сплошного просмотра в коллекции отобраны 32 работы по основам архитектуры, в том числе 10 работ по заданию на выявление пространства. Установлено, что авторами последних были студенты II и III курсов архитектурного и художественно-педагогического отделений - будущие архитекторы и художники: И. Ф. Бабин, Н. С. Елашкин, А. К. Ермаков, И. П. Котовщиков, Н. А. Линецкая, М. Н. Пантелеев, П. И. Сергеев, А. А. Штейн и П. Юдин; на одной работе подпись автора не сохранилась. Определены тематика работ (выявлено пять тем) и время выполнения (отсутствуют работы за 1926/27 учебный год). Установлены общие и индивидуальные особенности оформления работ и представленных на них композиционно-пространственных решений. Высказаны предположения о методах выполнения, их эволюции и разных задачах по выявлению пространства, которые ставились перед студентами разных отделений. Сделан вывод о том, что, несмотря на свой учебный характер, эти работы были выполнены на высоком профессиональном уровне и ярко отражают интенсивное развитие архитектурно-художественной мысли в Омском художественно-промышленном техникуме в период авангарда второй половины 1920-х - начала 1930-х годов.

В статье приводится аналитический обзор хранящихся в Омском музее изобразительных искусств имени М. А. Врубеля живописных полотен разных жанров из собрания потомственного петербургского купца, торговца мануфактурой, коллекционера Александра Александровича Коровина (1870-1922). Излагается история создания и бытования произведений из его коллекции. Обращение к этим произведениям и их анализ объясняются необходимостью определения их значимости в контексте биографии и собирательской деятельности А. А. Коровина, а также позволяют определить ценность этих полотен, своеобразие и оригинальность манеры их авторов. В статье представлены результаты комплексного исследования, выполненного на основе разнообразных источников, а именно: фондовых материалов Омского музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля, документов, хранящихся в Государственном историческом архиве Омской области, редких дореволюционных изданий, справочников и каталогов, а также статей современных искусствоведов о коллекционере. Особое внимание уделено большеформатному полотну В. И. Денисова «Саломея» (1908), которое впервые спустя почти 100 лет со времени поступления экспонируется на юбилейной выставке «Парад премьер» в конце 2024 года в Музее имени М. А. Врубеля. В исследовании произведений коллекции применены историко-биографический метод, а также элементы иконографического и формально-стилистического анализов. Показано, что А. А. Коровин в отличие от других российских коллекционеров проявлял большой интерес к современному искусству, к творчеству еще не достигших большого признания публики и критики художников, высоко оцененных лишь со временем.

В статье приведены результаты исследования бронзовых каминных часов из собрания Омского областного музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля. На основании художественно-стилистического анализа проведена атрибуция произведения декоративно-прикладного искусства. Проанализирована композиция корпуса часов, раскрывающая тему безответной, несчастной любви. Рассмотрены и определены сюжеты бронзовых рельефов, украшающие постамент и стелу часов, бронзовые фигуры, воплотившие образы древнегреческой поэтессы Сафо и ее возлюбленного прекрасного юноши Фаона. Выявлены художественные произведения, ставшие источником для создания представленной в часах композиции. Установлены французские каминные часы разных моделей с аналогичными рельефами, фигурами из музейных собраний, частных коллекций и выставленных на продажу на аукционах. Сравнительный анализ уровня и качества изготовления омских часов и сходных образцов позволил прийти к заключению, что экземпляр из сибирского музея был изготовлен, скорее всего, в России на одном из столичных бронзолитейных предприятий. Изучение часового механизма позволило установить его французское происхождение, а надпись на пружине хода и боя - уточнить датировку: механизм был изготовлен в 1828 году, часы - в конце 1820-х (не ранее 1828 года). Работа с архивными материалами в настоящее время не позволяет определить владельца предмета, но дает основание считать, что изысканный и престижный аксессуар обстановочной бронзы до 1917 года украшал интерьер одного из петербургских особняков или дворцов представителей русской аристократии.

В статье обосновывается атрибуция двух мужских гравюрных портретов XVIII века из собрания Омского областного музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля на основе образно-стилистического анализа с применением технологического и историко-предметного метода. Произведения считались работами неизвестных французских мастеров. До настоящего времени эти листы практически не входили в поле внимания исследователей музейной коллекции. В ходе изучения установлены имена героев произведений - немецких медиков Вейта Ридлина (1656-1724) и Иоганна Морица Хоффманна (1653-1727). Портрет последнего выполнил немецкий гравер из Нюрнберга Георг Лихтенштегер (1700-1781) по инвенции Иоганна Кристофа Филлиша (1692-1742). Имя автора изображения Вейта Ридлина остается неизвестным. Однако портрет композиционно восходит к гравюре аугсбургского мастера Филиппа Килиана (1628-1693) по оригиналу Иоганна Ульриха Майра (1629-1704) 1685-1686 годов. Оба произведения датируются 1730 годом и были опубликованы в научном издании академии Леопольдины. Результаты исследования позволят максимально полно представить графическую коллекцию в научном каталоге музейного собрания, произведения могут быть включены в тематические выставочные проекты и использованы в просветительских музейных проектах.

Статья посвящена ранним живописным и графическим произведениям одного из самых «левых» художников омского авангарда 1910-х - начала 1920-х годов Виктора Ивановича Уфимцева. Поступившие в Западно-Сибирский краевой музей в 1935 году в составе обширного архива омского писателя А. С. Сорокина, они, как и работы А. М. Громова, Н. А. Мамонтова, В. А. Тронова, В. К. Эттеля, Б. С. Шабль-Табулевича и других мастеров, были обнаружены только в конце 1970-х годов. Изучение анонимных работ, составлявших значительную часть архива А. С. Сорокина, проводилось с помощью стилистического анализа с опорой на эталонные работы В. И. Уфимцева. Значительную роль в уточнении названий и датировок сыграли дневники художника, поступившие в коллекцию Омского областного музея изобразительных искусств имени М. А. Врубеля в 2009 году.

Ветковский музей старообрядчества и белорусских традиций предоставляет уникальную возможность изучать иконопись и убор икон, происходящих из единого историко-культурного региона, в большинстве созданных в старообрядческом центре Ветки - Стародубье. Сравнение в стилистическом и семиотическом аспектах двух чеканных окладов XVIII века из деревни Новый Крупец на иконы «Успение» и «Никита-воин в житии» обнаруживает в композициях, сюжетах, мотивах и технологиях этих произведений способы создания единого образа пространства-времени, рассчитанного на взаимодействие иконы и зрителя. Семантически близкие процессы наблюдаются и в местной иконописи. Архетипы, древние приемы моделирования хронотопа иконы взаимодействуют с художественным языком Нового времени, порождая феномен визуальной иконы.