Статья: ИРАКСКИЕ ХУДОЖНИКИ-МОНУМЕНТАЛИСТЫ, ВЫПУСКНИКИ ВУЗОВ СССР: ВЫПУСКНЫЕ РАБОТЫ КАК СИНТЕЗ НАЦИОНАЛЬНОГО И ИНДИВИДУАЛЬНОГО (2024)

Статья посвящена иконографии и символике Джалаваханы, персонажа «Суварнапрабхаса-сутры», буддийского священного текста махаяны. В статье приводится изображение из трактата «100 Джатак» Кармапы Рангджунг Дордже (Пантеон Астасахашрика), а также сведения из китайского издания Трипитаки, собрания канонических буддийских книг, и трудов по поздней буддийской скульптуре в Китае. Перевод статьи Локеша Чандры из «Словаря буддийской иконографии» выполнен С. М. Белокуровой.

В статье обосновывается атрибуция картины «Голландский пейзаж», хранящейся в музее-заповеднике «Дмитровский кремль» (г. Дмитров Московской области) и считавшейся работой неизвестного художника XVIII или XIX века. Будучи включено в постоянную экспозицию и опубликовано в альбоме о коллекциях музея (2004), произведение тем не менее до сих пор не привлекало внимания специалистов по западноевропейской живописи. В результате образно-стилистического анализа установлено, что его автором является голландский мастер, представитель итальянизирующего направления Абрахам Бегейн (1637-1697). Об этом свидетельствуют сюжет и типажи персонажей, композиционная схема и трактовка пространства, конкретные мотивы ландшафта. Весь образный строй полотна раскрывает характерные для творчества художника черты. А. Бегейн представлен в России сравнительно немногочисленными живописными произведениями (в коллекциях Государственного Эрмитажа, музея-заповедника «Павловск»), и обнаружение его ранее неизвестной работы имеет значение для исследования итальянизирующего течения в голландском искусстве.

В основу статьи легло исследование начального этапа формирования феномена «другого» искусства города Костромы второй половины 1950-х - 1970-х годов. Ранее комплексного анализа художественного процесса, происходящего в контексте неофициальной культуры данного провинциального города, предпринято не было. Актуальность изучения «провинциального нонконформизма» обусловлена возможностью расширить устоявшееся определение понятия «нонконформистское искусство», чаще применяющееся к творчеству художников Москвы и Ленинграда. Цель исследования - выявить характерные художественные особенности «другого» искусства Костромы указанного периода и определить ключевые условия его бытования. Автором статьи были применены методы стилистического, формального и компаративного анализа, историко-биографический метод. Основой для анализа послужили опубликованные документальные материалы, каталожные статьи, произведения из коллекций МБУ города Костромы «Художественная галерея» (в настоящее время ОГБУК «Центр русского искусства») и Костромского государственного историко-архитектурного и художественного музея-заповедника. В результате исследования выявлены два поколения художников, чьи творческие стратегии формировались на рубеже 1950-1960-х и в 1970-е годы соответственно. Названы характерные черты и различия их мировоззрения и отношения к художественной практике. В то же время в ходе исследования определена ключевая роль Костромского художественного училища в становлении художников и названы основные события в культурной жизни города и области этого периода, связанные с деятельностью искусствоведа В. Я. Игнатьева. В результате анализа художественных произведений неофициального искусства Костромы были определены его ключевые стилистические направления, образующие синтез реализма, постимпрессионизма и примитивизма. Итогом исследования является вывод о типологической близости характера «другого» искусства Костромы и других провинциальных городов Советского Союза, где неофициальными скорее становятся произведения, нежели целые творческие биографии. В заключение автором статьи выдвинута гипотеза о специфической общественной отстраненности и проявленной привязанности художников к малой родине как о ключевых чертах их мировоззрения, позволивших костромскому искусству 1950-2000-х годов образовать единое культурное явление.

В статье рассматриваются особенности развития в современном изобразительном искусстве Монголии академического направления, представленного творчеством выпускника Санкт-Петербургского академического института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, монгольского художника Б. Отгонтувдэна. Оно сохраняет большое значение уже потому, что дает возможность ответить на вопрос об актуальности академизма в художественной жизни Монголии, отмеченной отчетливым доминированием модернистских тенденций. Анализ произведений Отгонтувдэна на историческую тему позволяет показать, в чем заключается сущность творческой стратегии академизма, позволяющей ему сохранить общественную актуальность в условиях интенсивного поиска собственной национальной идентичности, что чрезвычайно характерно для современной Монголии. С другой стороны, на примере картин Отгонтувдэна хорошо видно, как академическому направлению в XXI веке удается успешно развивать основные типологические разновидности исторической картины, сформировавшиеся в предшествующую эпоху, и сопутствующие выразительные приемы. В статье показано, что главным залогом их эффективной адаптации к новой содержательной тематике, заимствованной из монгольской истории, служит ряд особенностей духовной и бытовой культуры современной Монголии, проявляющихся преимущественно в свойственном ей уникальном соединении примет прошлого и настоящего.

В истории Каслинского завода остались практически неизученными страницы, освещающие его участие в крупнейшей выставке художественного литья в Москве (1940 год), а также деятельность в предвоенный период (с января по июнь 1941 года). Исследователи не используют данные об экспозиции каслинского литья, опубликованные в каталоге выставки и периодических изданиях Москвы, Челябинска, Свердловска. Настоящая статья ставит целью восполнить этот пробел и впервые ввести в научный оборот материалы газеты «Каслинский рабочий» 1940-1941 годов, которые представляют интерес для современных искусствоведов, занимающихся проблемами чугунного художественного литья. На основе изучения местной печати автору удалось восстановить имена многих чеканщиков завода, которые до сих пор находились в забвении. Анализируя полученные данные, он делает вывод о несомненном и плодотворном влиянии каслинских мастеров художественного литья, принявших участие в выставке 1940 года, на повышение качества выпускаемой продукции и распространение опыта каслинского производства на другие предприятия региона в 1941 году.

В работе исследуется направление «деревенский реализм», историко-политические, социокультурные факторы, повлиявшие на его зарождение и развитие в китайском изобразительном искусстве последней трети XX столетия. Изучение «деревенского реализма», ставшего неким индикатором, отражающим атмосферу эпохи, особенности мировоззрения, в том числе диалога восточной и западной культур, актуально как для китайского, так и для российского искусствоведения на современном этапе. Однако этот феномен еще не получил исчерпывающего осмысления. Предлагаемая статья является попыткой комплексного рассмотрения «деревенского реализма» в творчестве живописцев юго-запада Китая как знакового явления в художественной культуре страны XX века. На основе переводов, изучения и систематизации сведений, рассредоточенных в разных источниках, автор детально исследует генезис «деревенского реализма» и его роль в истории современного китайского изобразительного искусства; раскрывает общественно-политические и социально-философские аспекты этого направления, выявляет динамику изменения художественно-выразительных средств и иконографической системы, анализирует конвергенцию западного и национального на примере репрезентативных полотен ведущих представителей «деревенского реализма» юго-запада Китая, возглавивших направление.

Статья посвящена исследованию творческого метода художников Георгия, Александра и Валерия Трауготов, нашедшего воплощение в иллюстрациях к китайским сказкам. Художественное наследие отца и сыновей Трауготов в области книжной графики как предмет исследования достаточно востребовано в сфере искусствоведения. Однако взаимодействие восточных и европейских традиций искусства и принципы репрезентации китайской культуры в иллюстрациях художников пока изучены недостаточно, в том числе в аспекте художественной коммуникации. Цель настоящей статьи - на примере серии иллюстраций к сказке «Глупый тигр» (1963) выявить своеобразие творческого метода Георгия, Александра и Валерия Трауготов и принципы репрезентации китайской культуры в иллюстрациях к народным сказкам. В статье уделяется значительное внимание роли линии и цвета в композиции рисунка, художественно-стилистическим и эстетическим категориям книжной иллюстрации, особенностям визуализации текста. Исследование, проведенное с использованием сравнительно-исторического и формально-стилистического анализа, выявило сочетание средств традиционной китайской живописи бимо с приемами европейского изобразительного искусства, что дополнило представления о творческом методе Г. А. В. Трауготов в работе над иллюстрациями к народным сказкам.

В статье рассматривается творческая деятельность выдающегося художника-сценографа, народного художника Ч. Гунгаасуха и анализируется его значительная роль в развитии театрально-декорационной живописи в Монголии XX века. Основу для их искусствоведческого изучения образует обширный изобразительный материал из фондов Театрального музея в Улан-Баторе, до сих еще в полной мере не известный специалистам. Анализ сохранившихся эскизов позволяет сделать вывод о том, что творчество Чойжылжавына Гунгаасуха сыграло определяющую роль в утверждении на монгольской сцене модернистских принципов декорационного решения, основу которых составило совершенно новое понимание задачи организации сценического пространства. Исследование показало, что использованные художественные приемы имели задачей усилить выразительный потенциал сценического оформления, превратив живописно-пластический образ в важнейший содержательный фактор театральной постановки. Кроме того, творчество Ч. Гунгаасуха сыграло ключевую роль в процессе утверждения на монгольской сцене 1970-1980-х годов национальной тематики, тем самым предвосхитив важнейшие тенденции в развитии современного монгольского искусства.

Статья посвящена исследованию мозаик базилики Рождества Христова в Вифлееме. Построенный в IV веке в эпоху императора Константина Великого храм остается одним из важнейших святилищ христианского мира. На его стенах и в крипте сохранился уникальный ансамбль мозаик, созданных в XII веке в период владычества Латинского королевства в Иерусалиме. В 2015-2019 годах итальянскими специалистами была предпринята масштабная реставрация декорации базилики. Впервые почти за тысячу лет мозаики на стенах храма и росписи на колоннах были расчищены. Это открывает новые возможности для анализа столь выдающегося памятника. В статье использованы различные методы: стилистический, иконографический и историко-культурный. Г. Кюнель убедительно показал, что мозаики были выполнены единовременно, вероятно, с середины 1150-х годов до 1169 года. На основании сохранившихся надписей можно заключить, что в мозаичной декорации базилики участвовали два мастера: монах Ефрем, предположительно, грек и дьякон Василий, сириец. В третьей надписи, ныне утраченной, упоминалось имя Зан, оно могло принадлежать венецианскому художнику. Стиль мозаик в целом ориентирован на византийское искусство третьей четверти XII века. В ансамбле очевидны различия в фигуративной и в аниконической иконографии, а также в стиле разных зон декорации. В нем проявились элементы сиро-палестинского и западноевропейского искусства. Самый факт упоминания имен художников в надписях не типичен для Византии. Детальный стилистический анализ памятника еще предстоит. Пока очевидно, что в декорации принимала участие составная артель из нескольких художников разного происхождения и разной выучки. При этом все мастера преимущественно пользовались византийскими образцами. Вифлеемские мозаики плодотворно рассмотреть и в контексте монументальной живописи Святой Земли и Сицилии XII века.

В статье анализируется философско-мировоззренческое понятие «дух времени» в контексте научного диспута французского постструктуралиста Лиотара и немецких ученых - Юргена Хабермаса, Тильмана Борше, Манфреда Франка. Повествование включило обзор отдельных философских работ, которые имеют большое значение для развития художественной теории постмодерна. На примере кураторского замысла интернациональной выставки «Дух времени» («Zeitgeist», 1982, ФРГ, Берлин) выявлена идейная и образная основа «духа времени», связанного с принципами восприятия классического наследия в искусстве постмодерна. Сделана характеристика крупных произведений художников Йозефа Бойса, Зигмара Польке, Георга Базелица и др. Обоснован вывод о реконтекстуализации самого понятия «дух времени» в эпоху постмодерна. Данная работа выполнена с использованием иконографического и семиотического методов искусствоведческого анализа.

Цель статьи - обобщить развитие жанра натюрморт в традиционной для Китая тушевой живописи гохуа 1910-1950-х годов. Исследованы предметные композиции ведущих мастеров - У Чаншо и Ци Байши. Период их творческого подъема сопровождался резкими социальными переменами в китайском обществе, с чем связана политизация искусства, затронувшая и созданные художниками живописные натюрморты. Жанровые и стилевые новации мастеров гохуа первой половины ХХ века способствовали рождению современного китайского искусства. В статье проанализировано соответствие смысла живописных изображений и каллиграфии. Автор исходит из установленного ранее факта: начало китайскому натюрморту положили композиции XVIII века, изображающие «сто древних предметов» (байгу) и новогоднюю инсталляцию (суйчжао-ту). В статье показано сохранение традиций и обновление тематики в китайских натюрмортах постимператорского периода.

В данной статье рассматривается проблема архитектурной дифференциации французских готических памятников XVI-XVII столетий. Для Франции готика является незыблемой традицией и общенациональным стилем, связанным с самоидентичностью. Однако в силу главенства других стилей на мировой арене большинство исследователей игнорируют готические памятники XVI-XVII веков, рассматривая их через призму барокко или ренессанса. Подобный подход представляется некорректным, поскольку в таком случае готика раннего Нового времени из самодостаточного архитектурного явления превращается в периферийную тенденцию и становится всего лишь пережитком прошлого. В статье дан анализ разнообразных уникальных вариантов готики раннего Нового времени, а также предпринята попытка доказательства существования в этой архитектурной парадигме отдельных региональных тенденций. Готика рассматриваемого периода предлагает интересный нетривиальный синтез различных архитектурных систем, что придает ей ярко выраженный компромиссный характер. Так, с одной стороны, в этом стиле в период XVI-XVII веков проявляется собственное наследие готической традиции, при этом выступая зачастую наряду с позднеготическими элементами. С другой стороны, в данной парадигме присутствуют и отдельные черты ренессансной и барочной традиций. Таким образом, за счет попыток архитектурного синтеза возникают любопытные химеры, неспособные как быть в полной мере повторенными, так и служить отправной точкой для последующей традиции. Так или иначе, готический стиль раннего Нового времени представляет собой уникальный самоценный дифференцированный стиль, почему и должен рассматриваться отдельно в собственной системе координат.

В статье анализируются истоки формирования региональной традиции оформления бестиариев епархии Пассау. Материалом исследования послужили миниатюры к главам о гиене в рукописях XIII-XIV веков, созданных в аббатствах Альдерсбах и Фюрстенфельд. Влияние региональных особенностей изучается в рамках прослеживающихся в XIII веке «отклонений» в иконографических схемах бестиариев от традиции, сформированной в XII столетии. Цель работы состоит в определении предпосылок для отказа от распространенной иконографической схемы «гиена, поедающая труп» при подготовке рукописи. Названная схема встречается в бестиариях английской линии и французских сборниках зоологических статей, главным источником ее формирования являются античные и позднеантичные изображения поединков животных. Иконографическая схема, которая получает в работе название «обнимающиеся гиены», ограничивается католическими монастырями епархии Пассау, в том числе аббатствами Альдерсбах и Фюрстенфельд. На основе иконографического анализа миниатюр выявлены значительные и незначительные трансформации иконографических схем. С помощью сравнительного и исторического методов исследования сделано предположение, что использование принципиально новой иконографической схемы может быть объяснено особенностями текстовой версии Dicta Chrysostomi, в которой акцент сделан на двуполой природе гиены, с одной стороны. С другой стороны, рассматривается уже сформированная в скрипториях епархии Пассау традиция изображения существа, стоящего на задних лапах. Она встречается в бестиарии XII века, бестиарии группы Dicta Chrysostomi Clm, Bsb 3206 (XIII-XIV веков), а также в книге образцов Рейна. Третьей причиной представляются религиозная трактовка особенности гиены и стремление художника подчеркнуть двойственность, лживость ее природы как метафору человеческого вероотступничества и идолопоклонства.

В статье анализируются формально-стилистические и иконографические особенности лукканской школы живописи на примере расписных крестов, выполненных мастерской Берлингьери в XIII веке, деятельность которой ознаменовала «золотой век» лукканской художественной культуры. Среди основных школ живописи, сложившихся на территории Тосканы в XIII веке, в искусствоведческой литературе широко изучены пизанская, сиенская и флорентийская, в то время как лукканская зачастую остается вне поля зрения исследователей. Однако в рассматриваемый период она переживала свой расцвет, и связан он был именно с деятельностью мастерской, основанной Берлингьеро Берлингьери, также известного как Берлингьеро ди Миланезе. Среди произведений, выходивших из мастерской Берлингьери, можно отметить значительное количество расписных крестов, которые и стали объектом данного исследования. Расписные кресты с изображениями распятия (croce dipinta) представляют собой яркий феномен в художественной и религиозной жизни Италии XII-XIV веков. Этот вид объектов религиозного культа нашел особенно широкое распространение в Умбрии и Тоскане. Однако для того чтобы проанализировать их формально-стилистические и иконографические особенности, которые являются предметом изучения, привлечены и более ранние образцы расписных крестов лукканской школы, а также некоторые знаковые памятники подобного рода, выполненные позднее, что дало возможность проследить характерные черты и эволюцию лукканской школы живописи. В работе использованы формально-стилистический, иконографический и сравнительный методы. Результаты исследования дают представление о значимости мастерской Берлингьери в контексте лукканской живописной традиции, позволяют оценить ее особенности и наметить пути последующих исследований.

Статья посвящена исследованию региональных особенностей живописи новой вещественности на берлинской почве. Особенное положение принадлежащего к числу наиболее интенсивно развивающихся столиц мира делало главный город Веймарской республики необычайно притягательным для самых разных слоев населения, в том числе и художников. Актуальность темы определяется возрастающим в современной науке интересом к противопоставляемым авангарду реалистическим и фигуративным образам в искусстве XX столетия. Ее новизна заключается в рассмотрении произведений новой вещественности не как иллюстративной фиксации истории Берлина 1920 - начала 1930-х годов, а как своеобразного зеркала эпохи, преломившего жизнь мегаполиса в самых разных жанрах изобразительного искусства. Цель - выявить особенности «образа мира» в картинах вещественников, творящих в германской столице. Исследование проведено с применением формально-стилевого и социокультурного методов.